ARTE DEL ECUADOR

 

MARCELO AGUIRRE

O LOS DEMONIOS DE LA CREACIÓN

CARMEN ELENA KINGMAN

 

 

 

 

 

 


Los vínculos


Hallo en Marcelo Aguirre (Quito, 1956) un aire de "enfant terrible" que, estoy seguro, no lo perderá nunca. El mismo que se agitaba sobre él por los setenta en sus asiduos peregrinajes por el centro prieto de Quito, decorado por paseadoras, malandrines, orates, mendigos, burócratas, mercachifles, vagamundos, seres, en fin, desarraigados de una ciudad que alguna vez fue suya. O aquel que presentí cuando el artista apenas era un niño (me une una antigua amistad con su familia paterna). Su mirada se mantiene idéntica: clara, metálica, desafiante, pero abrumada de asombros, incertidumbres, perplejidades, apretada por la magia de la vida que para Aguirre es fuente de todo gozo, de todo error, de toda angustia, de amor sereno a veces, pero más, mucho más, de sorna vengativa otras. Es la mirada de quien se maneja con ese indiscutible coraje de los que viven empujados por un miedo medular. Es aquella que atraviesa el celofán del vacío ­una de las obsesiones de Aguirre: su cautiverio y su liberación­ por entre unas láminas de tol de una escultura suya en la esquina de un catálogo de su muestra en la I Bienal Iberoamericana, Lima, 1997, denotante de vértigos, ansiedades, desamparos, (rabia enmascarada, desvarío) y también de valor, el del jaguar hambriento listo a saltar sobre su presa: la humanidad. ¿Qué significación tiene ésta para Aguirre? ¿Está el pintor en su contra; siente piedad por ella; trata de enjuiciarla, repudiarla, resistirla? Creo que Aguirre no se ha formulado estas interrogantes y, por consiguiente, no ha tentado resolverlas. Allí quedan impregnadas en su obra: óleos, dibujos, esculturas, performances, representaciones, como golpes de sangre que se llaman emociones, sensaciones, pulsaciones, voliciones, instintividades, reyertas imperiosas, en fin, de unos significados encaramándose sobre otros, sobrepasándose, violándose, mutilándose, degradándose. Por cierto, esto no expresa que el arte de Aguirre carezca de sentido, peor aún de contextualización. Su creación (incluidos algunos versos inficionados de lacerante soledad) es un arsenal denunciatorio y execrador de una humanidad vaciada de valores, de asideros, de horizontes, devenida en un amasijo de mutantes que pululan a diario por los gigantescos y cada vez más sofisticados mercados en busca de venerados objetos que les otorguen status. "El domador ha colocado su cabeza / en la boca del león / yo / he puesto solo dos dedos / En el gaznate del Mundo Elegante. / No ha tenido tiempo de morderme; / Simplemente / ha vomitado rugiendo / un poco de bilis de oro, / que tanto aprecia...".


Carmen Elena Kingman

Aguirre se muestra en diferentes etapas de su vida artística y se mantiene en continua búsqueda, afirmando: "porque no he muerto. Porque apenas empiezo porque busco y no encuentro". Es una artista contemporáneo porque asume y transmite las influencias humanistas de una época, el arte en los años 30, constituyendo parte de un grupo generacional de artistas comprometidos que han sido partícipes de la vid urbana de cambios y contradicciones, con una tendencia expresionista como son Velarde, Rosero, Viver, Stornaiolo, Cueva
La época en que se hace el artista no lo deja indiferente, época de grandes convulsiones sociales en donde al sociedad tiende a polarizarse en dos grandes conflictos: la lucha por el bienestar de la humanidad y la naturaleza o por su contrario el deterioro de la humanidad. Aguirre evoca así a la condición humana: el hombre en su soledad, en su abandono, en la protesta iracunda, en la bestia.
Sus formas de expresión estética están en función del contenido, así el expresionismo abstracto ­que es una constante en su obra- lleva su sello, "su propia intencionalidad expresiva".
 

MARCELO AGUIRRE

Nació en Quito, Ecuador, en 1956. Realizó estudios en el Taller de Eduardo Serna, Argentina; en la Universidad Central de Quito, y en la Escuela Superior de Artes de Berlín donde fue becado por el Instituto Alemán de Intercambios entre 1983 y 1984.

Su obra pictórica aborda la condición existencial del desgarro, la enajenación y la soledad del hombre contemporáneo, expresada en el libre tratamiento de la materia y el color. Trabaja una figuración sugerida que parece emerger de una pintura sumamente orgánica.

Ha expuesto en importantes galerías y museos, entre los que se destacan: Instituto Iberoamericano, Bonn, RFA (1985); Museo de Arte Moderno de Cuenca (1987); II Bienal de La Habana (1986); XIX y XXII Bienal de Sao Paulo (1987 y 1994), y I, II y V Bienal Internacional de Pintura, Cuenca, Ecuador (1987, 1989 y 1996). Ha obtenido, entre otros, los siguientes reconocimientos: Premio Julio Le Parc, de la II Bienal Internacional de Pintura de Cuenca, Ecuador (1989); Premio Marco, Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, México (1995), y Segundo Premio de la Bienal de Pintura de Osaka, Japón (1997).

 

 

PINTORES ECUATORIANOS

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OSWALDO GUAYASAMÍN

VOROSHILOV BASANTE

ARTISTAS LATINOAMERICANOS

 
 

MÚSICA DOMINICANA

SOBRE EL AMONÍACO

Y LA TRANSPARENCIA DE LOS GOBIERNOS

FERNANDO UREÑA RIB

 

 

 

 

 
ALUCINANTE

Emotivo recital del maestro Molina, la OSN y Maridalia
 

Pachico Tejada - 6/26/2008




EL MOSAICO SONORO DE LA DOMINICANIDAD SE REALIZÓ CON EL AUSPICIO DE INDOTEL

El maestro José Antonio Molina, con la batuta, dirigiendo al principal grupo musical del país.
SANTO DOMINGO.- La Orquesta Sinfónica Nacional, dirigida por el maestro José Antonio Molina, ofreció la noche del martes una experiencia estética alucinante. El décimo aniversario de la Ley de Telecomunicaciones fue celebrado con el “Mosaico sonoro de la dominicanidad”, presentado con el auspicio del Instituto Dominicano de las Telecomunicaciones (Indotel) en la sala principal del Teatro Nacional Eduardo Brito.

La Sinfónica supo interpretar el “Bolero” de Ravel con gracia y maestría, como una pirámide invertida, desde la más mínima percusión, extendiéndose a los vientos y las cuerdas, hasta culminar en un apoteósico final en que toda la orquesta participa.

El emotivo concierto de gala concluyó con la magistral interpretación de la reconocida pieza de Ravel, que ratificó la calidad del maestro Molina y de nuestra Sinfónica.

Hubo una ovación de pie de la audiencia en un momento emocionante, al dejarse envolver por la magia de la música y la manera de llevar la batuta de Molina, como una danza, por momentos frenética y calmada, en otros instantes saltando, agachándose, dejando que la melodía lo llevara en su vuelo.

Dos horas antes, el evento había iniciado con imágenes de los puntos más bellos del país: playas, montañas, gente, al son del “Compadre Pedro Juan” de Luis Alberti.

Luego de la introducción audiovisual, la música dio inicio con “Porgy and Bess: un cuadro sinfónico”, del compositor norteamericano George Gershwin.

Los sutiles acordes del conocido “Summertime” llenaron de belleza sonora la sala entre vientos y cuerdas. En el segundo movimiento, el maestro Molina ejerció con energía la dirección y así respondió la percusión al entrar con su sonido fortalecido.

Antes del momento final, con la obra de Maurice Ravel, Molina condujo “Romeo y Julieta, Obertur a - f ant a s í a en Sí menor”, de Tchaikovsky, uno de sus autores más admirados.

Maridalia Hernández, la solista
La cantante Maridalia Hernández estuvo magnífica cuando interpretó dos momentos de “El amor brujo” de Manuel de Falla, esto es, “Canción del amor dolido” y “Canción del fuego fatuo”.

La cantante parece haber robado el duende gitano para realizar una interpretación llena del dramatismo que merece este tipo de canción.

De España, la noche se trasladó musicalmente a América del Sur. “Balada para un loco”, del argentino Astor Piazzolla fue la continuación del excelente programa pautado para el espectáculo.

La parte dominicana llegó con el “Popurrí de canciones románticas dominicanas”.

Maridalia hizo temas de, entre otros autores, Anthony Ríos, (“La distancia”), José Dolores Cerón (“Como me besabas tú”), Juan Lockward (“Luna sobre el Jaragua”) y Salvador Sturla (“Amorosa”). Por la familiaridad de los temas, Maridalia invitó al público a cantar con ella, pero al parecer la solemnidad de la sala pudo más que las ganas de acompañarla con las conocidas letras y solo unos pocos se animaron a hacerle coro.

Esta actitud de respeto no fue rota ni siquiera cuando, en la segunda parte de este segmento, Maridalia y la orquesta realizaron la interpretación de “Popurrí de merengues”, autoría de Julio Alberto Hernández, abuelo de la cantante.

Indotel
El secretario de Estado y presidente del Indotel, José Rafael Vargas, expresó que se trata de un majestuoso “concierto para el recuerdo”, mediante el cual la Indotel celebró los diez años de aplicación de esta ley que creó.

Sostuvo que en estos diez años de la Ley número 153- 98 “han dejado frutos positivos” que el país celebró en grande, con el exquisito concierto que ofreció la Orquesta Sinfónica Nacional, bajo la dirección del maestro José Antonio Molina, con Maridalia Hernández como solista.

Vargas manifestó que al patrocinar este concierto, el Indotel no solo se adentra en lo que han sido estos diez últimos años de telecomunicación en el país, sino que, además, reconoce el extraordinario talento musical que brota de las entrañas mismas del pueblo dominicano.




 

FERNANDO UREÑA RIB 

 

 

 



 

 

Ureña Rib has seen his work exhibited around the World and holds a prominent position on the Art scene in his own country, but he admits to be particularly drawn to Montreal, which he visits annually. Renting a studio in the downtown Belgo Building, he immerses himself enthusiastically in the creative and diverse atmosphere of Montreal producing here his works.

FERNANDO URENA RIB

ART STUDIO

 

 

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Revisado: July 31, 2008
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